Moda, telas y colas de pez: por qué tenemos que hablar de lo que visten las intérpretes de música clásica

El pasado mes de noviembre, la pianista y académica Dra. Samantha Ege ofreció un recital de obras de Florence Price, Margaret Bonds y Vítězslava Kaprálová en el Milton Court Concert Hall. Se trata de música que rara vez es escuchada en los escenarios de Reino Unido, y los críticos acogieron con satisfacción “el impulso emocional de estas obras”, mientras que Ege fue elogiada por sus “interpretaciones finamente perfeccionadas, fruto de un profundo estudio y análisis”.

Lo que nadie mencionó, sin embargo, fue el atuendo de Ege. La artista lucía radiante con lo que ella misma me describió como “un vestido de cola de pez de color rojo tenue, influenciado por los estilos de África occidental“. El corte se ceñía a la cintura con un cinturón personalizado con aplicaciones que brillaba bajo los focos, resaltando los toques de plata en las grandes espirales de ammonites que cubrían la tela.

Para Ege, como para muchos otros solistas, sus atuendos son una parte importante de su interpretación. “Me da una mayor oportunidad para expresarme“, comenta. “Pienso en los colores y los estados de ánimo, y en cómo me harán sentir a mí y al público“. Su vestido, diseñado por M.A.DKollection, fue elegido específicamente para este programa en el Barbican. “La antigüedad y la modernidad… convergen en el diseño, que habla con fuerza sobre los temas de mi investigación y repertorio. Defiendo la música de piano del Renacimiento Afroamericano, una época que reflejó temas de renacimiento cultural al tiempo que rendía homenaje al pasado, pero con un giro afrocéntrico. ¡Eso resume muy bien mi relación con el vestuario para los conciertos!”

La saxofonista Jess Gillam también tiene un estilo de concierto característico, en el que predominan los metálicos, las combinaciones de colores llamativos y los estampados audaces. “Me encanta intentar y transmitir una sensación de alegría al público“, dice Gillam. “Lo que llevo puesto como intérprete forma parte de eso“. Elige trajes con los que se siente cómoda y segura al vestir. “La mayor parte de la música que interpreto consiste en expresar una emoción o una narración escrita por otra persona… se necesita cierto nivel de autenticidad para lograr esa conexión”.

Hablar de la ropa es una especie de tabú en la música clásica, tanto para los intérpretes como para los críticos. “La mayor parte de los músicos no sienten que puedan hablar de ello“, comenta Jocelyn Lightfoot, directora ejecutiva de la Orquesta de Cámara Inglesa. La vestimenta para los conciertos es controvertida por una serie de razones que se superponen. Existe la idea arraigada de que supuestamente los músicos de música clásica deben ser escuchados y no vistos, como expresó el crítico del siglo XIX ETA Hoffmann: “El verdadero artista solo vive para la obra… No da importancia a su personalidad de ninguna manera”. En este ideal de actuación, la personalidad del intérprete –expresada a través de su elección de vestimenta– es escindida, quedando relegada a “la música en sí”.

Aquellos músicos que rompen la norma en sus elecciones de vestuario han sido, por lo tanto, objeto de duras críticas, especialmente cuando realizan algún tipo de cruce con el pop, lo cual provoca quejas sobre “bajar el nivel”. Pero al menos parte de la controversia que rodea a artistas como el violinista Nigel Kennedy, con sus pantalones de mezclilla y su cabello puntiagudo, es que nos recuerdan que la música en vivo es un medio visual. No solo escuchamos, sino que vemos a los músicos actuar.

En el caso de las mujeres, lo que está en juego en sus elecciones de vestuario es considerablemente mayor porque las mujeres son sexualizadas con mayor frecuencia que sus homólogos masculinos. Mientras que la ropa informal de Kennedy fue criticada por algunos como “ridícula”, el furor en torno a la pianista Yuja Wang traiciona esta doble moral. Se ha vertido tanta tinta sobre los dobladillos de Wang como sobre su forma de tocar, y con un par de excepciones, los comentarios se han centrado en cuán “cortos y ajustados” son sus vestidos.

El problema no es que los críticos hablen de la ropa de Wang. El problema es que, al ver todo lo que viste a través de una visión sexualizada, la presentan en primer lugar como un objeto sexual y en segundo lugar como una artista. En esta cosmovisión no hay lugar para que la ropa de las mujeres sea tanto una elección artística y personal.

Tal vez parte del problema sea que la moda queda fuera de las herramientas de la crítica clásica tradicional. “Así es, me he convertido en un crítico de moda”, escribió Norman Lebrecht, que describió el atuendo de Wang como “un microvestido cortado un centímetro por debajo del trasero”. Sin embargo, este informe sexualizado no podría estar más alejado de la crítica de moda. No nos dice nada sobre el vestido más allá de su longitud. ¿Cuáles eran las telas? ¿El estilo? ¿Quién era el diseñador? ¿Cómo se relacionó la elección del vestido con el programa musical? El lenguaje y las habilidades para responder estas preguntas podrían formar parte de las herramientas del crítico moderno, y si los críticos comienzan a considerar la moda con seriedad, los agentes podrían incluir los detalles del atuendo en los comunicados de prensa sin temor a que esto abra las puertas a comentarios despectivos sobre los artistas que representan.

La incapacidad de hablar sobre el vestuario de Wang de una manera sensible y respetuosa revela suposiciones perjudiciales y antiguas sobre las mujeres y su vestimenta en el escenario clásico. La idea de que lo que vemos puede “distraer de” la música, en lugar de moldear nuestra experiencia de la misma, procede de una división centenaria entre cuerpo y mente, físico y racionalidad, que reivindica la música clásica como algo puramente intelectual. El cuerpo no tiene cabida aquí. Y esta idea tiene género. La racionalidad y la mente han sido codificadas históricamente como masculinas, la sensualidad y el cuerpo como femeninos, con el resultado de que las mujeres y sus cuerpos han quedado marginados dentro de la música clásica. No es casualidad que Hoffmann utilizara el “él” como nombre por defecto para su músico imaginario.

Esta supervisión sobre las mujeres, su ropa y su cuerpo en la sala de conciertos no es nada nuevo. Cuando la compositora y directora de orquesta Ruth Gipps acudió a un concierto en 1944 luciendo un vestido de noche de colores brillantes, fue rotundamente reprendida por ello e informada por la dirección de la orquesta: “No nos gusta ese tipo de autopublicidad”. En un principio, Gipps quedó atónita y después se enojó. “¿Qué clase de lugar era este”, preguntó, “que esperaba que una mujer se avergonzara de lucir un hermoso vestido?”

Es una buena pregunta. Esta narrativa tiene que cambiar, entre otras cosas porque sexualizar o ignorar la ropa de las mujeres disminuye su poder de acción como artistas. La ropa de Wang ha sido descartada como una trivialidad, una táctica de mercadotecnia irreflexiva con vestidos elegidos puramente por si “enseñan más pierna” o no. Y para ello, Wang ha sido representada como una persona ingenua y perdida que “no ha tenido ni tiempo ni orientación para adquirir perspectiva”, y que, en consecuencia, está siendo utilizada “como oropel” por músicos (hombres) más experimentados y expertos.

La negación del poder de acción de Wang también refuerza los estereotipos racistas sobre la sumisión y el carácter inexpresivo de las mujeres y los músicos clásicos de ascendencia asiática, estereotipos que la elección del vestuario de Wang desbarata de forma activa. Wang es una de las artistas clásicas más importantes que se presentan hoy en día, pero el infantilizar a las mujeres intérpretes es una estrategia antigua para disminuir su estatus e individualidad, conteniendo y reduciendo su autoridad potencial.

La soprano del siglo XIX Jenny Lind, por ejemplo, a menudo era descrita como “infantil“. Estas descripciones suelen estar incómodamente sexualizadas, lo que implica que esas mujeres necesitan un hombre mayor y más fuerte que las guíe.

Tenemos que encontrar formas de hablar sobre la ropa de las mujeres que las respeten como decisiones artísticas y parte integral de la interpretación. La vestimenta adquiere mayor importancia a medida que las cuestiones relativas a la diversidad y la inclusión cobran protagonismo en las agendas de las instituciones. La Orquesta de Cámara Inglesa, por ejemplo, recientemente eliminó el código de vestimenta para sus músicos. Prescindir de las expectativas fuertemente marcadas por el género del traje de etiqueta es en parte, explica Lightfoot, para celebrar la individualidad de los músicos de la orquesta y construir un espacio inclusivo para los músicos cuya “forma de expresarse físicamente no encaja con el estereotipo de la música clásica”. No obstante, también se trata de crear un “espejo entre el público y la orquesta”, llegando a aquellos “que no se sienten bienvenidos en una sala de conciertos”.

Además, las redes sociales han hecho que la música clásica sea “mucho más visual”, comenta Maxine Kwok, violinista de la Orquesta Sinfónica de Londres. Tanto las orquestas como los solistas ahora están al tanto de las posibilidades de marca que les ofrece, desde compartir clips de conciertos hasta fotografías de ensayos en pantalones de mezclilla y suéteres. Y esto puede ser, quizás, una forma de volver a los músicos más accesibles. “Siempre existe la necesidad de modernizarse“, y el uso de las redes sociales “añade un elemento humano real”, señala Kwok, que permite que el público se relacione con los músicos que ve y escucha en el escenario.

Los músicos son algo más que la música que crean. Evaluamos las decisiones creativas e intelectuales que conlleva la programación, ¿por qué no la ropa también? Las ideas del siglo XIX sobre qué es la música clásica, quién la hace, para quién la hace y sobre quién la hace han cambiado. Y también las ideas sobre cómo luce.