<i>El callejón de las almas perdidas</i> y el mejor cine negro moderno
'Inventando una tormenta': Cate Blanchett, con Bradley Cooper, en El callejón de las almas perdidas. Foto: Kerry Hayes/AP

Nuestras imágenes y recuerdos más perdurables del cine negro suelen estar arraigados en las décadas de 1940 y 1950: si decimos las palabras, inevitablemente nos vienen a la mente visiones monocromáticas de sombreros de fieltro, vestidos de satén y nubes de humo de cigarro sin límites. Esto lo convierte en un género difícil de abordar en la actualidad, incluso si sus temas y rincones sociales no son específicos de la época. Si se insiste demasiado en el estilo de la época, parecerá un cosplay vacío; si se actualiza demasiado, se disipará el oscuro misterio.

El sinuoso y seductor remake de Guillermo del Toro de El callejón de las almas perdidas (ahora disponible en las principales plataformas de VOD) logra el equilibrio justo, incluso si su diseño de producción y vestuario de principios de los años 40 resulta suntuoso de una manera que la película original de Edmund Goulding de 1947, que sigue siendo una de las más oscuras y crudas de todos los clásicos del cine negro, nunca creyó que lo sería. Costosamente ruinosa y morbosamente iluminada, la película de Del Toro se entrega a un grado de fetichismo de género, no menos que cuando Cate Blanchett está en la pantalla, enfundada y con spray en el cabello e inventando una tormenta como una malvada psicoanalista fatal. Sin embargo, la película conserva una genuina dosis de corrupción humana y curiosidad moral, todo ello en la destacada interpretación principal de Bradley Cooper como un ambicioso trabajador de feria de sangre fría dispuesto a entrar a la alta sociedad a cualquier precio.

Cooper viste un sombrero de fieltro y un traje de cintura alta con bastante acierto, pero la torturada vida interior de su personaje nunca parece estar escrita entre comillas.

El callejón de las almas perdidas se pavonea con una convicción parecida a la de la perfecta LA Confidential (Amazon) de Curtis Hanson, que ya tiene 25 años, pero que está tan convincentemente inmersa en su época y en su estética que parece a la vez más antigua y más fresca que una lechuga. Esta adaptación despiadada y mordaz de la laberíntica saga policíaca de James Ellroy no era un remake de ningún clásico: simplemente da la impresión de que siempre debió existir, dadas las ricas y sórdidas texturas de la construcción de su mundo en el Hollywood de mediados de siglo y la fluidez de su reparto repleto de estrellas en el jazz y el ingenio del cine negro. La película de Hanson se estrenó un año después de la película de Lee Tamahori Mulholland Falls (Amazon), de estilo similar, con una trama parecida y poco recordada, y que es una distracción convenientemente malhumorada y agradable en la que, sin embargo, todos los actores parecen estar posando.

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Russell Crowe y Guy Pearce en LA Confidential, 1997. Foto: Warner Bros/Allstar

La película de Del Toro también rompe una racha de mala suerte para los cineastas que reinventan ejemplos ya queridos del género: los remakes poco distinguidos de los años 70 de The Big Sleep y Double Indemnity cayeron en el olvido por una razón. No obstante, la quisquillosa y apasionante versión de 1981 de The Postman Always Rings Twice (Google Play) de Bob Rafelson se conserva mejor con respecto a lo que los críticos despreciativos podrían haber predicho en su momento. Sin pretender mejorar la original de Tay Garnett de 1946, se centra más bien en lo que su predecesora no pudo: la energía carnal explícita entre las estrellas Jack Nicholson y Jessica Lange. Y la sinuosa e infravalorada The Underneath (Apple TV), de Steven Soderbergh, rehace con éxito su origen de cine negro (Criss Cross, de Robert Siodmak, de 1949) situándola en un entorno particular de la oscuridad urbana estadounidense de mediados de los 90, con claroscuros sombríos y nítidos sustituidos por biliares luces de neón.

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Joseph Gordon-Levitt y Nora Zehetner en la ‘ingeniosa’ Brick, 2006. Foto: Alamy

Los cineastas más jóvenes se sienten más cómodos trasladando los principios del cine negro a mundos del siglo XXI brillantemente iluminados e irreconociblemente diferentes: véase la ingeniosa fusión de Rian Johnson del código moral del cine negro con la política de preparatoria en Brick (2005; Chili), o la divisoriamente excéntrica y errante Under the Silver Lake (2018; Mubi) de David Robert Mitchell, en la que la ansiedad millennial sigue desbaratando su misterio angelino. En el cine actual, existe más de una forma de evitar que el cine negro se vuelva gris.

También lo que es nuevo en streaming y DVD

Red

(Disney)

Ahora disponible en DVD y Blu-ray en beneficio para aquellos que no son suscriptores de Disney+, esta reflexiva y bondadosa película sobre el paso de la niñez a la adolescencia de Pixar rompe con su frenética fórmula narrativa para explorar realidades adolescentes más tiernas con la cantidad justa de ingenio metafórico. Aunque extrañamente se le negó su estreno en el cine, es uno de los esfuerzos recientes más inteligentes del estudio.

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Red. Foto: © 2022 Disney/Pixar. Todos los derechos reservados

Wolf

(Universal)

La premisa es intrigante: Jacob (un comprometido George MacKay) cree ser un lobo atrapado en el cuerpo de un hombre, encontrando finalmente un espíritu afín mientras está en terapia. Sin embargo, la lúgubre película de Nathalie Biancheri está demasiado preocupada por las binarias morales como para tener un gran impacto como alegoría de la disforia de género que sigue sugiriendo.

Jackass Forever

(Paramount)

Hablando de indomables, el grupo de los que alguna vez fueron bromistas de MTV están (en su mayoría) reunidos de nuevo, y la mediana edad no parece haberles brindado ninguna sabiduría. Lo cual es exactamente lo que esperas de una reunión de Johnny Knoxville y sus compañeros: sus payasadas permanecen intactas, incluso aunque hayan perdido algunos amigos en el camino, lo que confiere una especie de noble desafío respecto a su evolución detenida.

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